Итак, наш курс подходит к концу.

Первое, на что я обращу свое внимание - это на результаты. 

Могу сказать, что у тех, кто дошел до конца, не свернув в какой-то момент с тропки заочного обучения, - все показывают успехи, и они в грамотности рисования, в его осмысленности. Те, кто у меня уже не первый курс проходит, заметно выросли за все время, это доказывает все же, что классическая консультативная схема методически оправдана, и если был выполнен необходимый объем заданий, значит, и практики было достаточно, чтобы рисовать самостоятельно, пусть даже еще не всегда уверенно. Как я уже упоминала не раз, уверенность не только в линии, но в самом своем творчестве приходит не сразу, точнее даже нам самим надо к ней приготовиться психологически, принять себя, позволить себе работать так, как нам удобнее всего.

Что же касается самой по себе грамотности рисования, то тут я позволю себе выразить свое педагогическое мнение, и оно не будет касаться одной лишь техники работы пером и тушью, ибо важнее основа рисования, которая на все техники и на все дисциплины одна.

Итак, есть неоспоримые истины в предметном мире, против которых художник протестовать не может. Одной из них является тон.

Напомню, что тон- это светлота, то есть те градации от кромешной тьмы до яркого падающего света, которые появляются, когда от источника света (направленного или рассеянного) лучи попадают на предметы. О том, как работает свет, гласит теория светотени, которая в бОльшей степени не теория даже, а практика, и теоретизированы в ней только термины. Вы всегда должны их помнить и отслеживать, если речь о реалистичном рисовании и моделировании глубины пространства. 

Это три вида света:

Падающий. Падает на плоскость. 

Скользящий. Скользит по вертикальным плоскостям.

Отраженный (он же рефлекс), - идет не от главного источника, а от предметов, которые были освещены и отразили этот свет. Классический пример такого источника - Луна, которая сама по себе не светит, но отражает свет солнечный. Так гора может рефлексировать в пейзаже, бросая отсвет на окружающие предметы, например.

Это две тени:

Падающая. Непосредственно за предметом, куда свет не попадает. Обычно она кажется прозрачной из-за рефлексов.

Собственная. На предмете, куда свет не может попасть. Также из-за окружения может быть неравномерной из-за рефлексов.

Кроме этих пяти терминов, запомните еще два:

Линия светотени (также называют светоразделом, полутоном, полутенью и т.д.) - граница на переломе формы между светом и тенью. Часто выглядит резко, подчеркивает форму. 

Блик. Отражение осветителя в поверхности предмета. В глянцевых предметах отражаются не только источники света, но и окружающие предметы.

Если вам повезло изучать академический рисунок, то всегда держите в голове эти семь слов, они помогут вам себя контролировать. По сути, самое светлое- это всегда свет падающий, самое темное может быть частью тени, но если вспомнить также о таком явлении стирания тоновых контрастов, как воздушная перспектива и если сфокусироваться на чем-то одном, как делают опытные художники, то выйдет, что темное то, что контрастирует в центре внимания, например, та самая линия светотени. Впрочем, чему быть темным самым и чему светлым, тут надо не только думать, но также наблюдать и программа академического рисунка потому и растянута столь сильно, на тысячи учебных часов, что требуется хорошая тренировка глаза, а теорий там никаких, кроме перспектив и светотени и нет.

 

Если вы не знакомы с академическим рисунком, не стоит пытаться изучить его по верхам. Поверьте, гораздо полезнее наброски, короткие зарисовки и любая другая творческая деятельность, свзанная с натурой, чем академический рисунок по книгам, тем более, часто таким сомнительным, как, например, учебник Николая Ли. Вообще, с художественными учебниками нужно быть аккуратнее. если они не написаны популярным языком, возможно, и не стоит по ним самостоятельно работать, обратитесь к профессионалу, которому вы доверяете. Если же книга вас поддерживает, направяет, стимулирует, она вам понятна, то просто рисуйте без оглядки на условности.

Да, такое понятие, как академическая база, существует. Но это предмет для академической мастерской, и он сейчас преподается всего в тройке-четверке художественных ВУЗ и училищах, а также во всех ДХШ. Все остальные учебники, увы, альтернативны. Не пытайтесь взять академический рисунок легко и быстро, это по ряду причин невозможно.

Хочу коснуться цвета.

Главное, от чего зависит цвет - это тон. Потому что тон происходит от света, а цвета без света нет, это любой физик подтвердит. 

Почему говорят, что, изучая рисунок (имеется в виду, упражняясь в рисунке), вы совершенствуетесь в живописи? Потому что глаз наш, будучи ненатренированным, склонен видеть цвет локально, воспринимает его отстраненно, а важна гармония цветовых отношений. Когда мы работаем в рисунке, мы забываем о том, что есть цветовая окраска, просто углубляясь в особенности тоновые. Глаз наш привыкает, ему становится проще различать нюансы. Он видит уже заинтересованно, потому что ему становится легче видеть. Он как бы "рассматривает". если параллельно мы работаем в живописи, мы заметим качественные изменения в своих работах. Даже после большого перерыва в работе с цветом, вернувшись к нему после большого пласта рисунка, мы себя не узнаем. мы будем видеть больше оттенков в связи с тем, что переключимся на цвет, а тоновое восприятие останется. Кроме этого, сами тоновые отношения будут лучше читаться, просто потому, что глаз привыкнет.

Единой же теории цвета не существует. Есть Гете, его пересказал Иттен, Иттена трактовали разные художники и педагоги, каждый выделяя свои доминанты. Но цвет остается наиболее субъективным в восприятии художника, поэтому никогда не стесняйтесь собственного цветового мнения. Нет такого художника, который признан был бы непревзойденным колористом. Для кого-то цвет - это эмоция, и сам он настолько эмоционален, что цветом выражает много, порой больше, чем формой. Для кого-то цвет - это второстепенная характеристика предмета, он вкладывается в тоновые контрасты в первую очередь. И есть миллионы других художников, которые в цвете выражают собственное мировоззрение. Нет единых цветовых правил. Есть кое- какие характеристики и закономерности, о которых я написала курс по акварели когда-то, но поняла, что не все мои ученики готовы к такой информации, много тех, кто считает, что прийдет к живописи через копирование приемов и авторских цветовых решений. Как педагог-сторонник индивидуализации в творчестве, я не могу их поддержать, но и курс мой в результате закрыт до лучших времен.

Второй теорией, с которой трудно спорить, является линейная перспектива. Ответственным художникам, к которым относятся архитекторы и некоторые дизайнеры, преподают эту дисциплину специально, отведя на нее достаточно часов. В ней содержатся элементы начертательной геометрии, это сложно и не всем удобно. При стандартном академическом обучении линейную перспективу дают примерно в том объеме, который вы получили на этом курсе. Вас это может удивить, но это так. Могу сказать, что в художественном училище на живописно-педагогическом отделении за 5 лет обучения реалистическому рисованию такого предмета как "Перспектива" не дадут, а на отделении дизайна за четыре года он будет. Это особенности обучения разных профессий. Поэтому и вам более глубокие знания перспективы могут пригодиться только в том случае, если вы будете рисовать не архитектурные зарисовки вроде моих, а простраивать архитектурно-пространственные решения. Тогда и педагога стоит найти себе грамотного в этом вопросе, думаю, лучше всего архитектора. если же у вас не сходятся в одну точку параллели на горизонте, не вините нас с Гаптиллом, не ругайте кривые руки и отсутствие диплома художника, просто рисуйте, памятуя об одной, двух, а, продвинувшись в рисовании, и трех точках схода (третья вверху или внизу).

Воздушная перспектива не столь точна, она происходит из изучения светотени и лучше всего изучается на академическом рисунке.

Есть еще ряд понятий, о которых говорят много, но мало пишут и плохо знают.

Пластическая анатомия. Нужна всем, кто рисует человека, но речь о рисовании академическом и динамическом, а также углубленном. Нельзя знать анатомию поверхностно, нельзя схематизировать человека, если рисуете вы время от времени. Решили изучать человека, посвятите все время этому, найдите преподавателя академического ВУЗ, он сам объяснит, что важнее всего, чтобы вы ненароком не скопировали всего Баммеса и не поставили сами себе флажок об окончании курса анатомии, вконец при этом запутавшись.

Композиция. Самый субъективный из предметов. Настолько субъективный, что ни одной книги о ней, достойной прочтения и заучивания догм, нет. Ибо до сих пор нет единой системы ее преподавания, кроме тренировочной, через поиск.

Обычно композиции обучают по двум направлениям. Дизайнеров и декоративных художников - фигуральной композиции учат через понятия из книги "Искусство формы" Иттена. Контраст форм, нюансы, симметрия и ассиметрия и т.д. И все равно работают не схемы, а развитие чутья. Но работа с абстрактными формами хорошо идет у представителей ярко выраженного духовно-экспрессивного типа, а смешанные типы и художники материально-импрессивные, а также все, кто работает в реалистическом рисовании, учатся композиции методом более старым и универсальным, - с помощью творческого поиска, в процессе которого знакомится и с контрастами, и с нюасом, и т.д, в собственных работах встречая их. 

Я не представляю себе обучения композиционному мышлению абстрагированно от проектной работы, поэтому самым композиционным курсом у нас является курс книжной графики. Ближайший поток стартует после новогодних праздников 2017, будет продолжаться до середины апреля и участникам курса по работе пером и тушью предоставляется скидка 20%, то есть курс будет стоить для вас 13600 рублей.

Если вас заинтересует программа курса, то вот она.

Композиция будет изучаться на примере не только книжной иллюстрации, но также оформления разворотов, создания образов (декоративных элементов, буквиц), а также персонажестроения (тут также не только анатомия, но те же контрасты). Курс интересный, творческий в большей степени, чем курс по Гаптиллу, по материалам он не пересекается с курсом "Работа пером и тушью" и может служить его логическим продолжением. Также вы можете продолжить на этом курсе работать пером, вот примеры работ учеников, прошедших курс книжной графики после курса по Гаптиллу:

 

 

 

Автор С. Багрянцева.

Автор Е. Грибова.

Автор Н. Манарова.

Автор А. Сторонкина.

Автор А. Черепнева.

Автор Е. Румянцева.

Автор А. Дваладзе.

Эти ученики реализовали полученный навык в работе пером и тушью на курсе, аналогичном тому, что прошли вы сейчас, на примере работы в книжной графике на одноименном курсе в 2015 году (1 поток). Сейчас в процессе набора 2 поток и я буду рада всем, кто пойдет учиться дальше, после 4 потока курса по туши, потому что знаю, что это приведет вас к логичному повышению уровня рисования.

Общего для всех домашнего задания я в этот раз не дам, потому что по итогам просмотра работ задание будет индивидуальным для каждого, и, напомню, что сейчас мы работаем только над проектной частью курса, а также, при наличии возможности и желания, над чистописанием в свободной форме.