Сложное и недопонятое на прошедшей неделе.

Когда курс проходит в некоторой гонке за временем, неизбежно в голове что-то оказывается хаотично расположено, и не складывается в единую образную систему, необходимую художнику.

Так произошло сразу с двумя моментами из пройденного нами материала.

1. Этюды состояния, переименованные в течение курса в этюды настроения, ибо на наше настроение влияет не только цвет, но и тон, вызванный состоянием природы, атмосферными явлениями. Для чего их делать и как- подробнее внизу.

2. Понятие о симультанном контрасте. Прошлая тема была написана для первого и единственного акварельного курса, и я помню, что многие задавали мне вопрос о целесообразности использования этого контраста и его смысле, а также, вообще, объяснения его на практике. Ниже я расскажу о том, что собой представляет симультанность, и, со временем, вы поймете, зачем вам эти знания.

Про этюды-настроения (состояния).

 

Задание под кодовым названием "этюды-настроения" - это способ заставить себя видеть то, на что обычно не обращаешь внимания. Недаром без записей они не получаются. Сначала важно присмотреться, описать словами, потом, уже по памяти, попытаться восстановить только лишь тоновые отношения, без цвета, без контуров, руководствуясь лишь заметками. Я знаю, что это сначала будет очень сложно сделать. На это есть несколько причин. одна из них-  вы не привыкли рисовать системно. Вы хотите нарисовать сразу же красиво, без подготовки, с работой лишь над внешней формой, а между тем под красивым мазком и чистым цветом лежит каркас, в живописи этим каркасом, этой базой, является тон.

 

Я давала это задание в самом начале курса и надеялась на ваше доверие, я думала, что вы будете записывать при каждой возможности, потом, когда уже станете наблюдательнее, попробуете рисовать, а потом, возможно, сейчас только, к 6 уроку, или даже пусть к 10, делать в цвете. Но, в основном, я узнала от вас о том, что писать не интересно, рисовать не получается, а в цвете вы готовы срисовать с фотографии.

 

При таком раскладе этюды не имеют смысла, потому что лично я не знаю, как их контролировать, что советовать.

 

Я хотела, чтобы вы научились видеть пятна, обобщать. С курсом графики у меня это получилось, а с вами пока нет, и это печально. Впрочем- это ваш выбор. Если вас интересует одноразовый готовый продукт, то как раз впереди две такие работы по подготовленным уже вами эскизам- на тему бабочек и снега.

 

И все-таки я постараюсь еще раз описать задание о настроениях.

 

Настроение - это то, что схватывает в первую очередь зритель из ваших работ. Настроение делает картину выразительной, привлекательной. Вы сами приходите на мастер-классы к художникам, которых выбираете по тому самому фактору- их картины вас цепляют. А чем цепляют? Ведь вовсе не чистыми красками, а гармоничными цветовыми отношениями (вкус к сочетаниям развивается со временем), не к тематике (тематику вы по-своему способны передать, но вам нравятся именно картины какого-то мастера), одним словом, не внешняя форма, которую вы пытаетесь получить сразу, за эти 10 уроков, а внутренняя, которая не только на законах построена, а на большом наблюдательном опыте, который никак не передать, его можно лишь получить самостоятельно.

 

Если бы вы ежедневно описывали состояния природы, то к шестому уроку записей было бы более четырех десятков. А считается, что с восьмого раза человек запоминает и понимает все, что угодно, а с двадцать первого приобретает привычку. А у вас была бы уже двойная привычка наблюдать и записывать. 

 

Я знаю, что многие не смогли найти пятна, это, действительно, вопрос сложный, поэтому к 6 уроку я дала задание на разбор по пятнам, только уже цветовым. А ведь у каждого цвета есть тон(светлота). И, значит, каждый ваш этюд мог бы быть переведен в монохромное изображение, и мы бы сразу видели, как полезно было бы вести дневник наблюдений, потому что вот оно, отсутствие настроения при соблюдении цвета, но отсутствии тона. А про тон были мои этюды-настроения.

 

Я против примеров в живописи, но я все-таки хочу вам помочь. Я хочу, чтобы, увидев уровень примитивизма исполнения этой работы, вы воскликнули: "Я берусь за ручку, я буду записывать, потому что все просто!!!"

 

 

 

 Я выбрала описание ночного города за моим окном.  Фото я сделала для вас, и оно, к сожалению, не передает реальных контрастов, они в записях.

 

Я могла бы просто взять карандаш и набросать привычной рукой его контуры, разобрать по тону, и было бы и так красиво (и даже лучше!), но это не несло бы учебной ценности. А наш курс, все-таки, учебный.

 

 

Поэтому для начала я сделала заметку о том, что я вижу за окном. 

Вот так она выглядела.

Она содержала описание тоновых и цветовых отношений. 

 

 

 

 

Потом я отошла от окна и постаралась восстановить по памяти то, что видела. Я перечитала заметку и подчеркнула основные детали, на которых дальше будет строиться скетч, а дальше тоновая картинка.

 

 

Я нарисовала очень маленькую картинку. Надо сказать, такой размер обусловлен сразу несколькими причинами.

1. Я рисую быстро, меня не напрягает такой эскиз.

2. Я не углубляюсь в детали, не ищу сложных контуров.

3. Я вижу сразу всю картинку, а не по частям, как бывает с картинками крупнее.

 

 

Потом я попробовала по описаниям и по скетчику восстановить то, что видела в окно. Получились пятна, в целом передающие даже не обстановку, не планы, а просто настроение: серое ночное настроение.

 

 

Этого я ждала от вас. 

Все, кто признавался мне в том, что этюды не идут, или присылали красивые картинки с детализированными горными пейзажами, получали рекомендацию пока только наблюдать и записывать.

 

Сейчас я рекомендую это всем.

Ведите дневник наблюдений за состояниями природы, описывайте тоновые отношения, присматривайтесь к массам. Перерисовывать детали вы всегда умели и потом сумеете, а вот чувство пятна- вещь необходимая художнику, и особенно живописцу. Это научит вас главному, чем владеет художник- вы сможете видеть.

______________________

Причин, почему я не показываю готовых работ в качестве образца несколько.

1. Образец отключает от текста и включает визуальное восприятие. А оно должно включаться на натуру, а не на другие рисунки.

2. Каждый человек выделяет что-то свое, нельзя всем делать одинаково, это было бы насилием над творческой личностью.

3. Даже мои беглые скетч и этюд не являются идеальным образцом, - это лишь пример одной из моих картинок, моего хода мыслей. Например, скетч и этюд не похожи друг на друга. Это связано с тем, что скетч более контурно-графичен, а этюд состоит из сливающихся пятен.

 

В целом, этюд должен передавать состояние, а не быть маленьким документальным изображением. Зарисовка не передает этого, а вот этюд вполне. Потому что есть такое свойство у акварели- передавать настроение лучше, чем какой-либо другой материал.

 

 

Симультанность.

Для начинающего художника понятие симультанности сложно в первую очередь тем, что оно кажется абстрагированным от реальности и на практике применить его вот так вот сразу, будучи в самом начале своего живописного пути, кажется невозможным.

Однако смутное о нем представление все -таки возникает. Понятно, что симультанные свойства цвета связаны с контрастом дополнительных цветов, но вот как?

Прежде всего, важно понять один момент.

Симультанные свойства цвета (в общем-то, как и все, что касается колорита (поиска гармонии цветовых сочетаний) и цветовых контрастов), - явление чисто оптическое. Это наше восприятие цвета, но не цвет как таковой.

Красный помидор остается красным, даже если на него бросит свой рефлекс лежащий рядом огурец. Однако по свойствам симультанности, помидор будет еще ярче гореть рядом с огурцом, а огурец еще больше позеленеет рядом с помидором. Получается, что классическое сочетание красного с зеленым, самое природное, самое яркое, таково, потому что это сигнал для нас. Для живых существ это сигнал привлечения внимания. И именно симультанное свойство цвета усиливает оптическое влияние цвета на другой цвет. Хотя предметы по своим физическим свойствам не взаимодействуют, они существуют изолированно, в  обоих овощах текут свои соки, у них своя пора зрелости и своя роль в природе.

Оранжевый апельсин в зеленой листве будет казаться более красным, но если снять его с дерева и положить в корзинку с бананами или помидорами, он как будто потухнет, его цвет перестанет быть ярким, с цветового круга, эти ва предмета в сочетании будут как будто приглушены свойствами друг друга.

Для чего нам знать об этих свойствах?

Во-первых, это помогает анализировать произведения мастеров, а это полезно. Сейчас принято копировать, повторять фокусы популярных художников, но ьездумное повторение не приводит к удовлетворению творческого познания. В то время как рассматривание работ на выставках и на Pinterest позволяет нам что-то для себя отмечать, когда мы умеем себе это объяснить. 

Посмотрите и представьте себе условно, что на верхней картинке апельсины, а на нижней, - лимоны.

Не всегда додумаешься сам, почему листья вокруг цитрусов кажутся разными у лимонов и у апельсинов, 

и в жизни мы обычно упускаем именно симультанность, то есть влияние оптическое одного цвета на другое. 

Влияние, связанное со свойствами нашего глаза, вечно стремящегося себя успокоить, находящегося 

в поиске компенсирующего цвета. И, как ни странно, нашему мозгу комфортнее смешать в голове дополнительные цвета

в единый серый, чем выделить что-то доминирующее. Это свойство нашего организма.

На прошлой картинке я изменила цвет цитруса на соседний по цветовому кругу. На нижней из этого блока иллюстраций

поменяла цвет листвы на противоположный цвету апельсинов. Конечно, в жизни появились бы тут же фиолетово-грязные рефлексы,

но давайте рассмотрим тот коллажный эффект, который мы получили.

Вы видите, как сильно оба цвета просятся быть доминирующими? От такого сочетания хочется убежать, приглушить его как-то.

Апельсины горят оранжево-желтым огнем, хотя на верхней картинке казались более красными.

Свойство симультанности заключается именно во влиянии окружения на восприятие оттенка цвета.

Да, в любой картине она будет работать. В случаях с цветным пятном на черно-белом ее проще уловить, но мы не живем в ахроматическом мире, поэтому просто должны понимать, что мы рабы цвета и его эмоционального влияния на нас. Поэтому и цветы, и яркие птицы, и бабочки, и все, что имеет насыщенный цвет, будет менять окружение вокруг себя, а все невзрачное будет преображаться в окружающем многоцветии.

Это сложно для объяснения, многим, у кого нет выраженного колористического видения, сложно для восприятия, но понять и запомнить легко: мы видим красный круг зеленым, когда его внезапно убирают из нашего поля зрения. Остается его зеленый призрак на серой или белой стене. Видим место от лимона фиолетовым, а если стереть синюю кляксу, то покажется, что осталось оранжевое пятно. Конечно, если удалить ее за доли секунды)))). То же самое происходит в разноцветном мире. Все цвета влияют друг на друга. Это принято называть цветовыми сочетаниями, на этом строится понятие цветовой гармонии, это пытаются по-своему объяснить.

 

Симультанный контраст как таковой, так, как его использовал Сера, - метод специфический, однако в любом контрастном сочетании будет работать именно симультанное свойство яркого, домирнирующего цвета, влияя на общее восприятие колорита.

Почему же Иттен выделяет этот контаст отдельно? Возможно, потому, что Иттен, как и многие другие теоретики цвета, просто пытается объяснить природную закономерность, которая может лечь в основу живописного произведения?

 

Как используют симультанные свойства? Работая с натуры, приглушают один цвет добавлением в его фрагменты другого, приглушая его таким образом. Маленькие точечки красного, смешанные с мелкими точками зеленого образуют впечатление коричневого. Это если все, например, разбить на пикселы, увеличив картинку, будет понятно. А представьте себе, как обогнал свое время Сера и его вся школа?

 

Как еще? Зная, как придать работе определенную цветовую гамму, "обманывают" зрителя, добавляя фрагменты других цветов вблизи.

 

Я знаю, о чем вы меня спросите.

 

Вы скажете: "Педагог, примеры живописных произведений - в студию".

 

А я вам отвечу.

 

Могу, да, поискать и порассуждать на эту тему. А вы подумаете, убедительно я говорю, или нет. И это вызовет повышение или понижение доверия ко мне как педагогу.

Но я не люблю учить таким образом, прекрасно понимая, что это будет некоторое заигрывание с учеником, натаскивание, обращение в свою религию. Это не полезно, не несет методической пользы.

Хочется предложить вам поискать такие произведения.

 

Где?

В данном случае, - в настоящих, живых, картинах. Лучше всего в музеях. 

 

Найдите время, чтобы увидеть самые выразительные, избранные, картины. Лучше всего не жухлые (утратившие цвет от времени), а качественные, после реставрации. В каждом городе есть такой музей. Посетите его с целью изучения контрастов, потому что сможете увидеть мазки, которые скрывают репродукции.

 

Подумайте и на предмет симультанности. 

 

Также присматривайтесь в жизни к тому, что вы видите. Пытайтесь анализировать, как бы вы это написали. И продуйте писать. Не все, как увидели, а также используя какие-то такие вот фокусы, как фокус симультанности.

Нет, не сейчас, пока вы еще тренируетесь в тоне, работая с гризайлем, и не тогда, когда ровность заливок тревожит вас более всего. А тогда, когда вам будет понятно, что такое живопись, когда вы будете готовы к анализу не только теории, не только чужой практики в музеях, но и собственного арсенала изобразительных средств.

 

 

Сегодня нет домашнего задания, но я знаю, что у всех вас есть те или иные сложности с пройденным материалом. Повторите какие-то старые упражнения, пока есть возможность их показать.